divid="tet_c"「在這輛我知道你承擔不起的路虎後座，
將我拉近，抵死纏綿，
緊咬你肩頭的紋身。
從博爾德的室友那裡偷來的那張床墊，
自角落裡拉過被單覆在你我身前，
我們一直都是那樣莽撞冒失的靈魂，
我們的青春永遠不會變老。」
進入這首歌的第1到第9小節，現場尷尬到讓人可以摳壞指甲——不管是手指還是腳趾——的氛圍，終於有所緩和，因為間奏結束後，歌曲逐步進入到了build-up和drop的部分。或者用外行人聽得懂的語言來表達，“大家可以跟著一起唱的片段”。
在這八小節裡，安德魯-塔格特的男聲，第一次將主旋律完整地演唱了一遍。隨著人聲部分逐漸推向**，所有的鼓聲倏然消失無蹤，隻留下單一、持續的弦樂線，在製造著歌曲首個drop落下前的緊張感與期待感。
為了增加旋律的份量，the&nbp;chainmoker還在主旋律低八度和高八度的地方各放置了一條男聲音軌。這些音軌在混縮時放得很低，但完全遵循旋律走向，與主人聲一致。換句話說，就是安德魯-塔格特單薄的人聲，在這一部分有了更立體、更厚實的支撐，聽起來不再那麼令人難以入耳了。
“看到了吧，歌本身是很好的。”韓易攤開右手，挑挑眉毛，一副理所當然的樣子，“就是現場團隊搞砸了，再加上德魯本身的缺陷，才會感覺有問題。”
“這裡能聽出來。”宥真點點頭，“墊在下麵的人聲軌，聲音實在是太小了。這要是換作是麥蒂或者碧梨在台上表演，調音師根本彆想活著走下音控台。”
“伱還挺厲害。”韓易啞然失笑，不知道是不是他的錯覺，但最近趙宥真在他麵前，不管是肢體動作還是口頭表達，好像都在變得越來越大膽，越來越無所顧忌。
“我本來就厲害。”宥真用鼻腔輕哼一聲，“看著吧，再過半個月，我能直接讓future&nbp;now變成她倆的tour。”
“誰敢質疑我們趙姐，我第一個不答應。”
韓易衝趙宥真眨眨眼，表麵上看起來好像是在開玩笑，但所有認可與讚許的情緒表達，其實都藏在調侃的外殼之下。作為藝人經理人，宥真為藝人爭取權益的談判能力是毋庸置疑的強大。她不像卡拉-劉易斯那樣盛氣淩人，必須要合作夥伴順著她的意思來做。不管是電郵往來還是電話會議，宥真永遠都保持溫和平靜的語調，絕不會因為工作的事情產生任何一絲情緒波動。
但柔潤如水的外表裡，藏著的是一根堅韌無比的硬骨頭。不應該妥協的地方，比如麥迪遜-比爾奪冠之後水漲船高的演出報價，無論對方如何施為，趙宥真也絕不會退讓半步。而隻要是可以幫藝人和公司爭取到的利益，哪怕隻是多一個點擊、一次播放、一分錢，宥真都會想儘一切辦法把它拿到手。
還是以麥蒂為例，future&nbp;now：the&nbp;tour的巡演團隊希望將她的演出時長從半個小時增加到四十五分鐘，作為交換條件，宥真通過uta，向live&nbp;nation提出了單場演出報酬翻倍，以及巡演之後再給麥迪遜五場音樂節次席嘉賓的條件。而急於提振巡演票房的live&nbp;nation，最後隻能無奈地全盤接受趙宥真的要求。
這種每天一睜眼就提刀上陣拚殺，並且始終樂此不疲的鐵娘子，哪怕剝離掉性彆的光環和外貌的加成，也足以讓韓易感到尊敬。
「we&nbp;ain''''t&nbp;ever&nbp;gettin''''&nbp;older……
we&nbp;ain''''t&nbp;ever&nbp;gettin''''&nbp;older！」
接頭附耳的低聲交談間，《cloer》在016年vma頒獎典禮上的演出，終於進入到了第一個**部分——第9至37小節的drop部分。表演的整體觀感，在這一階段又上了一個台階。
因為安德魯-塔格特終於放下了話筒。
與尋常的流行音樂不同，電子舞曲結構上最大的差異，就是副歌部分的處理方式。以泰勒-斯威夫特的《love&nbp;tory》為例，從主歌，到間奏，再到副歌，整首歌曲的精華部分，就是層層遞進，最後點出主題的人聲旋律。
而同樣是泰勒-斯威夫特的作品，以流行舞曲、電子流行為基調，甚至還帶有一些melodic&nbp;dubtep和brotep元素的《i&nbp;knew&nbp;you&nbp;were&nbp;trouble》就完全不同。這首由泰勒-斯威夫特、麥克斯-馬丁和hellback共同創作的單曲，忠實依循了電子音樂的編曲結構。主歌、間奏，再到人聲主旋律進場的build-up，所有的人聲旋律線都在為情緒的累積而服務，最後統一爆發，讓觀眾獲得腎上腺素分泌反饋的**部分，正是沒有演唱，隻有人聲切片的drop部分。
這便是電子音樂引人入勝的核心要義，通過旋律、節奏、鼓點和低音線的瞬間變化和強烈反差，營造出一種仿佛將人高高拋起，又重重落下的刺激快感。drop這個詞，正是由此而來。
雖然流行味濃鬱至極，但《cloer》從結構上來說始終是一首非常傳統的電子音樂。人聲主旋律過後，加入切片的激昂編曲，才是歌曲本身的最大亮點。而在drop的氛圍營造和技術處理上，the&nbp;chainmoker和與他們一起工作的幕後製作團隊，已經做到了業內最頂尖的水平。
跟崇尚極簡主義的菲尼亞斯與碧梨兩兄妹不同，the&nbp;chainmokert的工程文件一向非常繁複。《cloer》這首歌的工程文件，一共包含了整整8條音軌，光是與人聲有關的各類音軌就有39條。
難以置信的是，如此多的元素，如此多的細節，經過混縮和母帶處理，最後呈現出來的實際聽感，竟然能達到粗略吞咽簡潔有力，仔細咀嚼又有豐富層次的效果。令人不得不感歎the&nbp;chainmoker對於結構主次和聲音優先級的準確把控，以及他們合作的混縮工程師dj&nbp;wivel的精湛技藝。
與傳統的聲音工程師不同，dj&nbp;wivel本身也是一位電子音樂製作人，因此，他深度參與到了前期的製作過程中，試圖在這一環節發現與聲音有關的問題，並加以修複，而不是放到後期混縮的時候再進行處理。就像拍照一樣，如果能在拍攝現場矯正模特的身形與表情，肯定比後期再用photohop做生硬拉扯的效果要好得多。
the&nbp;chainmoker和dj&nbp;wivel都同意，如果將ba&nbp;patch做得柔和一些，便能讓低音線更好地配合底鼓，烘托出一種清新夢幻的聲場氛圍，而這一點小小的改變，讓最終的聽感上了一個檔次。
任何對音樂製作稍有了解的人都不難聽出，《cloer》的drop部分，合成器和弦的tab極其溫暖而豐富。它在最終混音版本裡的位置相當寬闊，頻率範圍也很廣，大約在90hz至1000hz之間。一般來說，頻率放低後產生的效果有利有弊。當人們用單聲道來監聽這首歌曲時，會聽到10hz以下的合成器和弦tab出現相位抵消的情況。在夜店中，這種現象會讓聲音變得單薄，進而影響現場演出的效果。但反過來說，這種寬闊感在立體聲音響裡的表現很好，不管在電台還是電視播放，都能明顯降低音質壓縮後對聽感的破壞。
作為一首為音樂電台和公告牌單曲榜而生的商業單曲，《cloer》在這方麵的取舍，必然是有意而為之。
而為了讓《cloer》在短波頻率中的表現更好，另一個很有趣的特征是，底鼓和低音在頻譜裡隻占據了很小一部分空間。the&nbp;chainmoker為這兩個部分選擇了非常強勁有力的音色，這樣一來，它們就不需要占用過多的混縮空間，有效減少歌曲裡各種元素之間的競爭，讓人聲主旋律和lead部分更加突出，更能形成反複性的洗腦效果。
最後，drop部分雖然音軌眾多，dj&nbp;wivel的重點隻放在了三個部分——底鼓、合成器和弦tab和lead合成器上。其他的音軌都是支持這三個主要聲音頻道的輔助，這使得觀眾們不需要付出太多努力，就能輕鬆消化歌曲想要傳遞的聲音信息。
豐富而不擁擠，熱鬨而不喧鬨。不需要現場調音團隊配合的drop部分，終於呈現出了《cloer》應有的水準與色彩。
the&nbp;chainmoker上台後頭一次，現場觀眾的心跳與呼吸，開始與電子音樂的節奏逐漸同步。
原本冷凝的氣氛，也開始緩緩升溫。
隻待一個節點，集中爆發。
「你呀，
還是初次見麵那樣美好。
忘記了當時離開你的原因，
也許，
是我失了心神。」
就在麥迪遜廣場花園開始對這場熄火的表演重燃期待的同時，一道自懸在高空中的線陣音響裡傳出，如天使般徐徐降落人間的奇妙嗓音，於現場上萬人的耳膜前綻放。
一個依然存留著純真本心，但轉瞬之間便要墮入魔道的天使。
如果要韓易來形容的話，霍爾希的聲線，給人的觀感正是如此。
她能夠以獨立音樂人的身份發行首張專輯，並立即在公告牌hot&nbp;00榜單上獲得亞軍，很大程度上是因為那流行音樂史上前所未見，後也難有對標的獨特唱腔。
霍爾希聲線的底色，必然是空靈的。去除所有演唱技巧的乾擾後，你會發現，她的聲音自然而然地帶有一種孩童般的聖潔，似乎隻有初生嬰兒的咕嚕聲，能與她聲線的純淨程度媲美。清澈如豎琴彈奏的高音區，再加上中音區聽上去柔弱，卻擁有厚實基底的驅動力，讓她仿佛自帶效果器。滾石雜誌的樂評家甚至評論說，霍爾希的這把好嗓，不需要掛autotune，也有天然的矯飾功能。
但與此同時，霍爾希的聲音又充溢著混亂壓抑之美，大量鼻腔空間和氣聲技法的運用，讓她的聲線裡多了幾分暗示與誘惑意味十足的喑啞質感。另外，霍爾希以一種近乎刻意的方式，塑造過分清晰的元音發音，為她的表演增添了一種光怪陸離而妙趣橫生的彆樣氛圍，使她的聲音可以立刻被所有曾經聽過她演唱的樂迷識彆。
換句話說，霍爾希的嗓音，是一種難以輕易歸類的神秘混合，一把橫跨兩個八度和一個純五度，無論用任何采樣設備都無法複製的天賜樂器。
而這份世間難尋同類的特殊，正是所有電子音樂製作人殫精極慮想要掌握的秘密武器。